[칼럼]패션이 말하는 미래의 런웨이

[KtN 박인경기자]파리 쿠튀르 런웨이에서 드레스는 더 이상 몸을 아름답게 감싸는 옷으로만 설명되지 않는다. Schiaparelli FW27 오트 쿠튀르 ‘The Call of the Void’에서 라텍스와 실리콘, 구운 페인트 시트는 실크와 울의 자리를 비집고 들어왔다. 고광택 블랙 보디스는 몸을 부드럽게 감싸기보다 단단한 외피처럼 세웠고, 금빛 장신구는 착장의 마무리가 아니라 신체의 윤곽을 바꾸는 조각물처럼 놓였다. 다니엘 로즈베리(Daniel Roseberry)가 택한 방향은 파격의 과시가 아니라, 럭셔리가 앞으로 무엇으로 자신을 증명할 것인지에 대한 선명한 단서였다.

오트 쿠튀르는 오랫동안 원단의 귀함과 공방의 시간을 통해 권위를 쌓았다. 실크의 낙차, 새틴의 광택, 울의 밀도, 손자수의 정교함은 쿠튀르가 스스로를 설명해온 오래된 언어였다. Schiaparelli FW27은 그 언어를 폐기하지 않는다. 다만 문장의 주어를 바꾼다. 원단의 이름과 가격이 아니라, 재료가 몸 위에서 어떤 상태로 변하는지가 앞에 놓인다. 라텍스는 탄성과 광택으로 몸의 둘레를 넓히고, 실리콘은 피부와 조각 사이에 놓인 외피가 되며, 굳은 페인트는 색을 입히는 재료가 아니라 구조를 세우는 재료가 된다.

쿠튀르의 손기술도 달리 읽힌다. 전통 직물은 이미 아름다운 상태로 공방에 도착하지만, 라텍스와 실리콘, 페인트 시트는 다루는 방식 없이는 의복의 언어가 되기 어렵다. 자르고, 늘리고, 굳히고, 칠하고, 엮고, 몸 위에 세우는 과정이 곧 착장의 가치가 된다. 로즈베리 체제의 Schiaparelli가 말하는 럭셔리는 재료의 신분보다 재료가 변형되는 시간과 기술의 밀도에 가깝다.

드레스의 선도 부드러운 균형에서 낯선 구조로 옮겨갔다. 파스텔 꽃 장식은 자수나 프린트가 아니라 스커트의 부피를 만드는 입체 표면으로 올라왔고, 검은 보디스는 몸의 곡선을 따라 흐르기보다 가슴과 허리 위에 단단한 껍질처럼 놓였다. 크림색 드레이프는 고전적 우아함을 빌리면서도 깊은 컷아웃과 꼬임 구조로 몸과 옷 사이의 빈 공간을 드러냈다. Schiaparelli의 드레스는 몸을 가리는 기술보다 몸 주변의 공간을 재구성하는 장치에 가까웠다.

패션이 가리키는 미래가 반드시 편안하고 부드러운 쪽으로만 향하지 않는다는 점도 흥미롭다. 최근의 옷은 기능성과 착용감을 더 중시하는 방향으로 움직여왔지만, 쿠튀르의 최전선에서는 오히려 몸을 낯설게 만들고, 신체의 비례를 흔들고, 의복과 오브제의 경계를 흐리는 실험이 강해지고 있다. 검은 촉수처럼 뻗은 구조물은 착장 위에 더해진 장식이 아니라 몸 바깥으로 자라난 별도의 골격처럼 작동한다. 금빛 귀걸이와 팔찌는 드레스의 끝을 마무리하는 액세서리가 아니라 얼굴과 손목의 비례를 다시 그리는 물체에 가깝다.

로고 이후의 럭셔리도 같은 흐름 안에 있다. 한동안 명품은 모노그램, 시그니처 패턴, 브랜드명을 통해 자신을 설명했다. Schiaparelli는 이름이 크게 보이지 않아도 식별된다. 금빛 해부학 장식, 조각적 보디스, 과장된 신체 비례, 고광택 블랙 표면만으로 하우스가 읽힌다. 브랜드의 서명이 천 위에 찍힌 표식에서 몸 위에 세워진 실루엣으로 이동한 셈이다. 디지털 이미지 환경에서는 이러한 변화가 더 빠르게 작동한다. 사진 한 장으로 착장의 윤곽이 기억되고, 설명보다 먼저 브랜드가 도착한다.

레드카펫과 무대 의상, 뮤직비디오 스타일링이 Schiaparelli식 조형성에 민감하게 반응할 수밖에 없는 배경도 여기에 있다. 스타의 착장은 더 이상 ‘예쁜 드레스’라는 말만으로 오래 남지 않는다. 등장하는 순간 형태가 식별돼야 하고, 움직임 속에서도 윤곽이 무너지지 않아야 하며, 한 컷만으로 브랜드와 콘셉트가 읽혀야 한다. Schiaparelli FW27의 광택 표면, 조각적 액세서리, 과장된 어깨선, 생물적인 곡선, 피부와 착장 사이의 절개 구조는 대중복으로 곧장 내려오지 않더라도 무대와 화보, 포토월의 언어로 변주될 가능성이 크다.

다만 쿠튀르의 실험이 곧바로 일상복의 미래가 되는 것은 아니다. 라텍스와 실리콘, 구운 페인트 시트는 착용성, 관리, 제작비에서 대중 시장과 거리가 있다. Schiaparelli의 제안은 매장에 걸리는 상품보다 이미지와 브랜드 정체성을 먼저 만든다. 쿠튀르는 판매량을 겨루는 현장이라기보다, 브랜드가 앞으로 어떤 형태까지 가질 수 있는지 시험하는 공방에 가깝다. 런웨이에서 먼저 제시된 물성은 주얼리, 슈즈, 백, 뷰티 이미지, 무대 의상, 패션 화보 속에서 더 현실적인 언어로 내려올 수 있다.

로즈베리의 선택은 성공한 이미지를 키우는 대신 성공한 이미지의 기반을 흔드는 데 있었다. 금빛 신체 장식, 조각적 보디스, 드라마틱한 실루엣은 Schiaparelli를 다시 세계 패션의 중심으로 끌어올렸다. 그러나 강한 기호는 반복되는 순간 공식이 된다. ‘The Call of the Void’는 이미 통했던 문법을 더 크게 확장하는 길을 택하지 않았다. 하우스 코드는 남았지만 같은 방식으로 재현되지 않았고, 초현실주의는 장식 목록이 아니라 낯선 물성을 감당하는 제작 방식으로 다시 쓰였다.

패션이 말하는 미래의 런웨이는 아름다움의 폐기가 아니다. 아름다움이 발생하는 위치의 이동이다. 귀한 원단, 완벽한 재단, 화려한 장식에서 오던 감각은 이제 표면의 두께, 빛의 반사, 몸과 옷 사이의 빈 공간, 장식이 구조로 바뀌는 순간에서도 만들어진다. Schiaparelli FW27은 쿠튀르가 더 이상 부드러운 드레스의 세계에만 머물지 않는다는 사실을 또렷하게 드러냈다.

미래의 런웨이에서 럭셔리는 더 조용해지지 않을 가능성이 크다. 더 낯설고, 더 단단하고, 더 물질적인 방식으로 몸 위에 세워질 것이다. Schiaparelli가 ‘The Call of the Void’에서 택한 공백과 불확실성은 패션의 불안이 아니라 다음 형태를 향한 통로에 가깝다. 쿠튀르는 이미 알고 있는 아름다움을 반복하는 대신, 아직 이름 붙지 않은 표면과 구조를 향해 움직이고 있다.