[2026 미술시장, 가치의 재편③] 여성 작가 경매 거래 19%, 낙찰총액 비중은 14%

[KtN 박준식기자]2026년 세계 현대미술 경매시장에서 여성 작가의 작품 3만9234점이 낙찰됐다. 전체 거래량의 19%에 해당하지만 낙찰총액 비중은 14%에 머물렀다. 거래액은 2억2900만 달러로, 여성 작가의 작품이 시장에 등장하는 빈도와 실제 거래금액 사이에는 여전히 차이가 존재했다. 현대미술 경매의 낙찰 작품이 연간 20만 점을 넘어선 가운데 여성 작가들의 시장 참여가 가격 구조에 반영되는 정도는 고르지 않았다.

2025년 7월부터 2026년 6월까지 세계 현대미술 경매 낙찰총액은 16억2200만 달러로 전년보다 6% 증가했다. 거래량은 20만7900점으로 역대 최대치를 기록했다. 그러나 여성 작가의 작품은 거래 건수와 금액 모두에서 남성 작가보다 낮은 비중을 차지했다. 특히 100만 달러 이상 고가 작품 시장에서는 여성 작가의 비중이 더욱 줄어들었다.

조사 기간 100만 달러를 넘긴 현대미술 작품은 168점이었다. 여성 작가의 작품은 20점으로 전체의 약 12%였고, 낙찰총액은 5130만 달러로 해당 가격대 거래액의 8.5%를 차지했다. 고가 작품을 중심으로 형성되는 국제 경매시장의 가격 질서에서 남녀 작가 사이의 격차가 상대적으로 크게 나타난 것이다.

반면 40세 미만 작가들의 시장에서는 다른 흐름이 나타났다. 초현대미술 낙찰총액 가운데 여성 작가의 비중은 43%에 달했다. 2026년 상반기 주요 경매의 5만 달러 이상 거래 구간에서 분석한 작가 50명 가운데 여성은 23명, 남성은 27명이었다. 기존 현대미술시장에서 나타나는 성별 구성과 비교하면 젊은 작가 세대에서 격차가 상당히 좁혀졌다.

미국과 유럽의 주요 경매에서도 여성 작가의 비중이 높아진 거래가 등장했다. 2026년 5월 21일 뉴욕 필립스의 현대미술 오후 경매에는 40세 미만 작가 작품 14점이 출품됐고, 그중 8점이 여성 작가의 작업이었다. 엠마 웹스터(Emma Webster), 미카엘라 이어우드댄(Michaela Yearwood-Dan), 애나 파크(Anna Park) 등 이미 국제적인 주목을 받은 작가들과 새로운 작가들이 같은 경매에 참여했다.

젊은 여성 작가들이 주요 경매에 진입하는 속도는 빨라졌지만 가격 형성의 조건은 작품마다 달랐다. 작가의 경력과 제작 시기, 작품의 크기와 매체, 소장 이력과 전시 경력은 개별 거래에서 서로 다른 영향을 미쳤다. 여성 작가라는 공통된 범주 안에서도 시장에 진입한 시기와 작품이 평가받는 지역에 따라 낙찰가격의 차이가 나타났다.

1995년 캐나다 캘거리에서 태어난 애나 웨이언트(Anna Weyant)는 젊은 여성 작가 가운데 국제 경매시장에서 비교적 높은 가격을 기록해 온 인물이다. 전통적인 유화 기법을 바탕으로 정물과 인물, 실내를 그리며 고전 회화의 조형적 특성과 현대적인 일상의 감각을 결합해 왔다. 어두운 색조와 정교한 명암, 단순한 사물의 배치를 통해 익숙한 대상에 독특한 분위기를 부여하는 작업이 특징이다.

웨이언트는 미국 로드아일랜드디자인스쿨(Rhode Island School of Design)에서 회화를 공부했으며, 2022년부터 가고시안(Gagosian) 갤러리와 협업하고 있다. 2025년 7월 15일부터 10월 12일까지 스페인 마드리드의 티센보르네미사 국립미술관(Museo Nacional Thyssen-Bornemisza)에서 첫 미술관 개인전을 열었다. 전시에서는 웨이언트의 회화 약 20점과 미술관 소장 고전 회화를 함께 소개했다. 바로크 시대부터 20세기 전반까지 이어지는 회화 전통과 웨이언트의 작품을 비교하는 구성이었다.

2026년 1월 28일 미국 뉴저지주 램버트빌의 라고(Rago) 경매에서는 웨이언트의 2020년작 'Josephine'이 30만4800달러에 낙찰됐다. 추정가 15만~25만 달러를 웃도는 결과다. 세로 91㎝, 가로 61㎝의 아마포에 유채로 제작한 정물화로, 어두운 실내를 배경으로 장미와 금속 화병을 그린 작품이다.

'Josephine'에는 밝은 크림색 장미 여러 송이가 짙은 갈색의 화병에 꽂혀 있다. 화병은 흰색 테이블 위에 놓였고, 뒤쪽 벽면에는 작은 무늬가 일정하게 반복된다. 꽃의 밝은 색채와 화병의 어두운 금속 표면, 갈색 벽면이 뚜렷한 명암 차이를 이룬다. 테이블 위에는 화병과 꽃에서 생긴 그림자가 오른쪽으로 길게 드리워져 있다.

장미의 꽃잎은 얇고 접힌 형태를 유지하면서 여러 겹으로 겹쳐져 있다. 중앙에 놓인 장미는 둥글게 말린 꽃잎이 안쪽으로 깊이 들어가고, 위쪽과 오른쪽의 장미는 옆을 향해 펼쳐져 있다. 꽃잎의 끝에는 밝은 빛이 닿아 있지만 안쪽으로 들어갈수록 갈색과 회색의 그림자가 짙어진다. 웨이언트는 같은 계열의 색을 세밀하게 조절해 꽃잎의 부피와 굴곡을 표현했다.

꽃을 받치는 줄기는 가늘고 어둡다. 화병의 입구에서 여러 방향으로 뻗어 올라가며 밝은 장미를 지탱하지만, 줄기 자체는 어두운 벽면과 가까운 색으로 처리돼 있다. 꽃과 줄기, 화병 사이의 대비가 크기 때문에 시선은 먼저 장미에 머물렀다가 아래쪽의 금속 화병과 테이블로 이동한다.

화병의 표면에는 금속 특유의 반사광이 좁고 길게 나타난다. 밝은 테이블 위에 놓인 어두운 화병은 단단한 수직 형태를 이루고, 꽃은 위쪽으로 퍼져 나가며 서로 다른 방향의 곡선을 만든다. 둥근 꽃잎과 직선에 가까운 화병의 윤곽은 작품의 형태를 구분하는 주요 요소다.

서양 정물화에서 꽃은 오랫동안 아름다움과 시간, 생명의 유한성을 다루는 소재로 사용돼 왔다. 특히 17세기 네덜란드 정물화에서는 꽃의 화려한 색채와 정교한 묘사를 통해 자연의 풍요로움과 시간의 흐름을 함께 표현했다. 웨이언트의 장미 정물 역시 이러한 회화적 전통과 연결되지만 색채를 제한하고 배경을 단순하게 처리하면서 현대적인 분위기를 형성한다.

'Josephine'의 장미는 화려한 색채보다 빛과 그림자의 관계를 통해 존재감을 얻는다. 밝은 꽃잎은 어두운 배경에서 분리돼 있지만 주변 공간은 갈색과 검은색에 가까운 색조로 가라앉아 있다. 꽃과 화병 이외의 사물을 거의 배제하면서 정물의 형태와 표면에 집중하도록 구성했다. 2020년에 제작된 작품이지만 고전적인 정물화의 구도와 현대적인 색채 감각이 함께 나타난다.

웨이언트의 회화는 인물과 정물을 중심으로 전통적인 유화 기법을 활용하면서도 일상의 사물과 인체를 다루는 방식에서 현대적인 특징을 발전시켜 왔다. 젊은 여성의 신체와 실내, 꽃과 과일을 반복적으로 그리며 익숙한 대상의 형태를 정교하게 묘사한다. 고전 회화의 조형적 기법을 바탕으로 현대인의 감각과 심리적 분위기를 표현하는 작업이다.

2025년 마드리드 전시에서는 웨이언트의 회화와 티센보르네미사 국립미술관이 소장한 고전 회화들이 함께 놓였다. 17세기 바로크 회화와 20세기 전반의 인물화, 정물화가 현대의 젊은 작가와 연결되는 구성은 웨이언트 작업의 미술사적 배경을 구체적으로 살펴볼 수 있는 기회였다. 젊은 작가의 높은 경매가격과 별도로 작품의 조형적 특징을 미술사 안에서 다루는 전시가 이루어진 것이다.

'Josephine'의 거래 이력에도 국제 미술시장의 구조가 반영돼 있다. 작품은 로스앤젤레스의 블럼앤포(Blum & Poe)를 거쳐 개인 소장품이 됐고, 2022년 4월 홍콩 소더비 경매에 등장했다. 이후 다시 개인 컬렉션에 소장됐다가 2026년 미국 라고 경매에서 거래됐다. 한 점의 정물화가 미국과 홍콩의 경매시장을 거치며 새로운 구매자를 만난 이력이다.

2026년 라고 경매에서 'Josephine'은 상단 추정가 25만 달러보다 약 22% 높은 가격에 낙찰됐다. 그러나 해당 작품의 결과만으로 웨이언트의 모든 작품이 같은 수준의 가격 상승을 기록했다고 판단할 수는 없다. 작가의 회화는 제작연도와 소재, 작품 크기, 출품 시점에 따라 서로 다른 가격에 거래됐다. 조사 기간 웨이언트의 작품 7점이 낙찰됐으며 누적 낙찰총액은 약 160만 달러였다.

같은 여성 작가의 회화라도 세대와 지역에 따라 가격 형성 과정은 상당히 다르다. 인도의 레카 로드위티야(Rekha Rodwittiya)는 1958년생으로, 1980년대부터 여성의 신체와 사회적 정체성을 주제로 작업해 온 작가다. 인도 바로다의 마하라자 사야지라오 대학교(Maharaja Sayajirao University) 미술학부에서 공부했고, 이후 영국 런던 왕립예술학교(Royal College of Art)에서 석사과정을 마쳤다.

로드위티야는 여성의 몸을 중심에 놓고 개인의 경험과 사회적 관계, 여성에게 부여된 역할을 다루는 작업을 발전시켜 왔다. 초기에는 인체의 형태를 거칠고 표현적으로 다루다가 이후에는 선명한 색채와 단순화한 윤곽을 활용해 인물의 존재감을 강조했다. 여성의 신체는 작품 안에서 주변 사물이나 다른 인물에 종속되기보다 독립적인 형태로 배치된다.

2007년작 'Second Skin'에는 정면을 향해 서 있는 여성의 신체와 검푸른색 네발짐승, 붉은 꽃이 달린 나뭇가지가 함께 등장한다. 인물의 몸은 밝은 색으로 처리됐고, 얼굴과 머리카락에는 검은색과 붉은색, 푸른색이 사용됐다. 배경은 밝은 황토색에 가깝고 인물 주변의 나뭇가지는 짙은 갈색으로 그려졌다. 꽃은 붉은색으로 처리돼 신체와 강한 색채 대비를 이룬다.

'Second Skin'은 2026년 6월 24일 스위스 바젤의 아르퀴리 뵈레 바이이 비드메르(Artcurial Beurret Bailly Widmer) 경매에서 3만3928달러에 낙찰됐다. 추정가는 4926~7389달러였다. 높이 213㎝, 너비 152㎝의 대형 아크릴 회화로, 실제 낙찰가격은 상단 추정가의 약 4.6배에 달했다.

'Second Skin'의 여성은 다리를 벌리고 선 자세로 작품의 중앙을 차지한다. 몸통과 다리는 길고 크게 그려졌으며, 얼굴은 상대적으로 작다. 양팔은 허리 가까이에서 바깥쪽으로 굽어 있고, 인물의 뒤편에는 여러 갈래로 나뉜 나뭇가지가 뻗어 있다. 인체와 나뭇가지가 비슷한 높이에서 겹치면서 인물의 실루엣은 작품의 가장 넓은 부분까지 확장된다.

인물의 얼굴에는 둥근 눈과 짙은 눈썹, 붉은 입술이 그려져 있다. 머리카락은 검은색과 푸른색으로 단순하게 처리됐으며, 전체적으로 세밀한 명암보다 뚜렷한 윤곽선과 평면적인 색면이 강조돼 있다. 신체의 형태는 실제 인체의 비례와 다르게 길어졌고, 피부는 밝은 단색에 가까운 색채로 표현됐다.

인물 아래에 놓인 검푸른색 짐승은 몸통이 길게 뻗어 있다. 앞뒤 다리는 서로 다른 방향으로 움직이고, 목과 머리는 왼쪽을 향한다. 짐승의 등 위로 여성의 다리와 나뭇가지가 겹쳐지면서 사람과 동물, 식물의 형태가 하나의 구성 안에 놓인다.

붉은 꽃이 달린 나뭇가지는 인물의 양쪽으로 넓게 퍼져 있다. 굽은 가지의 형태는 팔의 움직임과 연결되고, 여러 방향으로 갈라진 선은 여성의 몸을 감싸는 듯한 구성을 만든다. 단순한 황토색 배경은 인물과 동물, 나뭇가지의 윤곽을 뚜렷하게 드러내며 작품의 상징적인 성격을 강조한다.

로드위티야의 회화에서 여성의 신체는 반복적으로 등장하는 중심 도상이다. 일상적인 여성의 경험과 사회적 관계를 바탕으로 인체의 크기를 확대하거나 주변의 사물과 동물을 결합하는 방식이다. 'Second Skin'에서도 여성은 작품의 가장 큰 비중을 차지하며, 동물과 식물의 형상은 인물 주변에 배치돼 있다.

인체를 바라보는 방식은 작품의 미학적 성격과 연결된다. 서양과 인도 미술의 역사에서 여성의 나체는 오랫동안 아름다움과 욕망, 신화와 종교를 표현하는 소재로 사용됐다. 그러나 로드위티야는 여성의 몸을 작품의 중심에 크게 배치하고 정면을 향한 자세와 단순화한 윤곽을 통해 인물의 독립적인 존재감을 강조한다.

여성의 신체를 바라보는 전통적인 관습과 여성 스스로 자신의 경험을 표현하는 문제는 로드위티야 작업의 중요한 배경이다. 인물의 눈과 입술, 몸의 윤곽은 장식적인 세부로 남아 있지만 작품 전체에서는 신체가 공간을 점유하는 방식과 식물·동물의 형태가 맺는 관계가 더 큰 비중을 차지한다. 여성의 몸은 주변의 사물과 함께 독립적인 상징 체계를 형성한다.

로드위티야는 인도와 영국, 미국을 비롯한 여러 국가의 전시에 참여해 왔다. 국제 단체전 참여 횟수는 130회를 넘으며 작품은 인도와 영국, 미국, 브라질, 이탈리아와 네덜란드의 공공·개인 컬렉션에 소장돼 있다. 1980년대부터 이어진 회화 작업과 국제 전시 경력을 바탕으로 인도 여성주의 미술의 흐름에서 중요한 위치를 차지해 왔다.

국제적인 전시 경력이 곧바로 높은 경매가격으로 연결된 것은 아니다. 로드위티야의 기존 경매 최고가격은 2012년 인도 뉴델리 오시안스(Osian's Auction House)에서 기록한 약 4만2000달러였다. 일반적인 경매 거래는 1만5000~3만 달러대에서 형성돼 왔다. 미술관과 국제 전시를 통해 작품이 소개된 기간에 비해 공개 경매가격은 비교적 완만하게 움직였다.

'Second Skin'은 2007년에 제작된 대형 회화로, 웨이언트의 'Josephine'보다 크기가 상당히 크다. 그러나 2026년 경매가격은 웨이언트 작품의 약 9분의 1 수준이었다. 제작연도와 크기, 조형적 특징뿐 아니라 거래 지역과 구매자층, 작가별 시장 규모에 따라 실제 낙찰가격이 달라졌다.

두 작가의 미술시장 경력도 서로 다르다. 웨이언트는 1995년생으로 젊은 작가에 대한 국제적인 관심 속에서 빠르게 높은 가격대에 진입했다. 로드위티야는 1958년생으로 수십 년 동안 여성의 신체와 사회적 관계를 주제로 작품을 제작하고 전시해 왔다. 웨이언트의 정물화는 고전 회화의 기법을 현대적으로 활용하는 작업이고, 로드위티야의 인물화는 여성의 신체를 독립적인 상징으로 표현하는 회화다.

두 작품의 낙찰가격 차이는 여성 작가라는 공통점만으로 설명되지 않는다. 웨이언트는 미국과 유럽의 주요 갤러리, 국제 경매회사와 미술관 전시를 통해 짧은 기간에 폭넓은 주목을 받았다. 로드위티야는 인도 현대미술의 역사와 국제 전시를 통해 활동해 왔지만 작품이 거래되는 시장의 규모와 가격대는 상대적으로 낮았다.

미술시장에서는 갤러리의 작가 관리와 국제 전시 경력, 작품이 거래되는 지역과 주요 수집가의 관심이 가격 형성에 영향을 준다. 국제적인 갤러리 네트워크와 주요 경매회사의 거래가 집중된 작가는 상대적으로 넓은 구매자층에 접근할 수 있다. 반면 지역 미술시장을 중심으로 작품이 유통되는 경우 국제적인 전시 경력을 갖고 있더라도 경매 거래는 제한된 가격대에 머무를 수 있다.

작품의 미술사적 위치가 시장가격에 반영되는 과정에는 시간도 필요하다. 1980년대부터 여성의 신체를 중심으로 작업해 온 작가들의 성취는 최근의 여성주의 미술 연구와 전시를 통해 새로운 관심을 받고 있다. 그러나 미술관의 수집과 학술 연구, 비평적 재평가가 이루어졌다는 사실만으로 경매가격이 즉시 상승하는 것은 아니다. 작품이 실제로 출품되고 이를 구매할 수집가들이 참여해야 거래가격으로 연결된다.

여성 작가의 재평가는 현대미술의 역사 자체를 다시 구성하는 작업과도 관련된다. 오랫동안 미술사에서 상대적으로 적게 다뤄졌던 여성 작가들의 전시와 연구가 확대되면서 기존의 미술사 서술에 포함되지 않았던 작품과 작가들이 소개되고 있다. 주요 미술관의 소장 정책과 전시 기획, 대학과 연구기관의 미술사 연구는 작품을 평가하는 기준에 영향을 준다.

작가의 성별만으로 작품의 조형적 특징을 한데 묶을 수는 없다. 웨이언트의 장미 정물은 빛과 명암, 꽃잎과 금속 화병의 세밀한 묘사를 통해 구성되고, 로드위티야의 인물화는 강한 윤곽과 평면적인 색채, 신체와 식물·동물의 결합으로 이루어진다. 두 작품은 서로 다른 회화적 전통을 바탕으로 제작됐으며 여성 작가의 작품이라는 범주보다 각각의 미학적 언어와 제작 맥락에서 살펴볼 필요가 있다.

2026년 고가 현대미술 경매에서는 여성 작가의 성과도 이어졌다. 영국 작가 세실리 브라운(Cecily Brown)의 1997~1998년작 'High Society'는 뉴욕 소더비에서 981만 달러에 낙찰되며 작가 최고가격을 경신했다. 미국의 젊은 작가 루시 불(Lucy Bull)의 2022년작 '22:14'는 2026년 3월 홍콩 소더비에서 155만 달러에 거래됐다. 그러나 일부 작품의 높은 가격만으로 여성 작가 전체의 시장 비중이 크게 달라진 것은 아니었다.

100만 달러 이상 작품 가운데 여성 작가의 거래 건수는 20점으로 전체의 12%에 불과했다. 고가 작품의 낙찰총액 비중은 8.5%로 더 낮았다. 반면 40세 미만 초현대미술 시장에서 여성 작가들은 전체 거래액의 43%를 차지했다. 젊은 세대에서는 여성 작가들이 주요 가격대에 진입하고 있지만 기존 현대미술의 고가 작품 시장에는 여전히 남성 작가의 작품이 집중돼 있다.

2026년 현대미술 경매시장은 거래량이 역대 최대치를 기록하면서도 작품가격은 선별적으로 움직였다. 여성 작가의 작품 역시 일부 고가 기록과 비교적 안정적인 중간 가격대의 거래가 함께 나타났다. 웨이언트의 'Josephine'은 상단 추정가를 넘어 30만4800달러에 거래됐고, 로드위티야의 'Second Skin'은 3만3928달러에 낙찰되며 예상가격을 크게 웃돌았다.

여성 작가의 경매 거래량 19%와 낙찰총액 비중 14% 사이의 차이는 작품이 시장에 등장하는 빈도와 실제 거래가격이 같은 속도로 변화하지 않는다는 사실을 드러낸다. 젊은 여성 작가의 거래액 비중은 확대됐지만 고가 시장에서는 기존의 격차가 이어지고 있다. 미술관의 연구와 전시, 갤러리의 작가 관리, 지역별 수집가의 수요는 서로 다른 시간과 방식으로 작품의 가격에 반영된다.

애나 웨이언트의 장미 정물과 레카 로드위티야의 여성 인물화는 제작 시기와 조형 방식, 미술시장의 경력이 서로 다른 작품이다. 2026년 두 작품은 각각 미국과 스위스의 경매에서 상단 추정가를 넘겨 거래됐다. 여성 작가에 대한 관심이 확대되는 가운데 국제 경매시장은 여전히 작가의 세대와 지역, 작품의 희소성과 전시 이력에 따라 서로 다른 가격을 형성하고 있다.

[표] 2026 세계 현대미술 경매시장 여성 작가 거래 현황

자료=Artprice by Artmarket, 'The 2026 Contemporary Art Market Report'. 집계 기간은 2025년 7월 1일~2026년 6월 30일. 전체 현대미술은 1945년 이후 출생 작가의 공개 경매를 기준으로 하며, 40세 미만 여성 작가 비중은 초현대미술 부문 기준. 개별 작품 가격은 경매 수수료를 포함한 금액.