[Nue Black Aesthetic①] 흑인 디자인 70년, 서구 디자인사의 기준을 넘어선 색과 형태

[KtN 임민정기자]1959년 영국의 섬유 디자이너 알시아 맥니시는 에식스 지방의 밀밭을 강렬한 색채의 직물 무늬로 옮겼다. 밀 이삭이 가득한 영국의 풍경은 카리브해 트리니다드에서 보았던 사탕수수밭의 기억과 겹쳐졌다. 노란색과 주황색으로 번지는 식물의 형태는 자연을 사실적으로 묘사하기보다 서로 다른 땅에서 경험한 빛과 색을 하나의 무늬로 구성했다. 'Golden Harvest'라는 이름으로 제작된 직물은 영국의 상업용 섬유 시장에서 인기를 얻었고 1970년대까지 생산됐다.

트리니다드에서 태어나 1951년 런던으로 이주한 알시아 맥니시(1924~2020)는 전후 영국의 섬유 디자인에 새로운 색채를 더한 인물이다. 열대 식물과 꽃, 영국의 풍경을 선명한 색과 유기적인 선으로 표현한 직물은 의류와 실내 장식에 사용됐다. 영국의 리버티(Liberty)와 힐스(Heal's)를 비롯한 업체들이 맥니시의 디자인을 채택했고, 유럽의 패션업계에서도 작품을 사용했다. 카리브해에서 가져온 미적 경험이 영국의 주거문화와 패션에 들어온 시기였다.

런던 디자인뮤지엄(Design Museum)은 11월 6일 개막한 'The Nue Black Aesthetic'에서 맥니시부터 오늘날의 디자이너에 이르는 흑인 디자인의 흐름을 다루고 있다. 전시는 1950년대 이후 약 70년의 역사를 살펴보는 자료와 함께 현대 디자이너 16명의 작업을 소개한다. 패션과 가구, 건축, 제품 디자인과 조각을 아우르는 100점 이상의 작품이 여섯 구역에 배치됐다. 영국을 중심으로 형성된 디자인의 역사에 아프리카와 카리브해, 여러 이주 공동체의 경험이 어떻게 들어왔는지 살펴볼 수 있는 구성이다.

맥니시가 영국에 도착한 1951년은 제2차 세계대전 이후 영국의 사회와 문화가 달라지던 시기였다. 식민지와 영연방 지역에서 이주한 사람들이 영국의 노동과 생활문화에 참여하면서 도시의 인구 구성도 변하고 있었다. 디자인업계에서는 전후 복구와 대량생산, 새로운 소비문화가 맞물리며 직물과 가구, 생활용품의 수요가 늘어났다.

당시 영국의 섬유 디자인은 유럽 모더니즘과 추상미술, 기계 생산에 적합한 반복 무늬의 영향을 받고 있었다. 맥니시는 트리니다드에서 익숙했던 식물의 형태와 강렬한 색채를 영국의 풍경에 결합했다. 열대 식물만을 반복해 그리는 대신 영국에서 새롭게 만난 자연까지 자신의 방식으로 해석했다. 'Golden Harvest'가 사탕수수밭을 떠올리게 하는 밀밭에서 출발했다는 사실은 이주자의 기억이 일상의 물건에 스며드는 과정을 잘 드러낸다.

맥니시는 런던 왕립예술학교(Royal College of Art)에서 섬유 디자인을 공부하고 1957년 졸업했다. 이후 직물 제작업체와 백화점, 패션 브랜드를 위한 디자인을 제작하며 영국의 상업 디자인 분야에서 활동했다. 1959년에는 추상적인 원형 무늬를 겹친 'Cascade'를 선보였고, 1960년 힐스를 위해 제작한 'Trinidad'에는 열대 식물에서 가져온 형태를 담았다. 식물의 윤곽과 색채를 자유롭게 변형한 작품들은 전후 영국의 실내 장식에 뚜렷한 변화를 가져왔다.

'Golden Harvest'에는 밝은 색채와 반복적인 식물 무늬가 나타난다. 밀 이삭의 형태는 실제 식물의 세밀한 윤곽보다 곡선과 색면의 관계로 표현됐다. 노란색과 주황색이 겹치며 생기는 강한 대비는 직물의 넓은 면적에서도 무늬가 분명하게 드러나도록 한다. 햇빛을 받은 곡식의 형태를 실내에 들여온 디자인이지만 자연의 묘사보다 색채와 리듬을 강조한 구성이다.

직물은 일상에서 사용되는 물건이다. 옷이 되거나 커튼으로 걸리고, 가구를 덮거나 실내의 넓은 벽면과 관계를 맺는다. 맥니시의 색채는 회화처럼 전시장에 걸려 있는 데 머무르지 않고 가정과 상업공간에서 반복적으로 사용됐다. 한 디자이너의 문화적 기억이 산업적 생산과 유통을 통해 영국인의 생활공간에 들어간 것이다.

맥니시가 영국 디자인계에서 주목받았다는 사실과 영국 디자인사 전체가 다양한 문화적 배경을 균형 있게 다뤘다는 평가는 구별할 필요가 있다. 맥니시는 생전에 주요 업체와 협업하며 상업적인 성공을 거뒀다. 동시에 전후 영국 디자인을 설명하는 기존의 역사에서는 유럽 모더니즘의 대표적인 양식과 제작자들이 중심적인 위치를 차지해 왔다. 섬유와 의류, 생활용품의 제작 과정에서 활약한 이주민 디자이너들의 경력은 분야와 기관에 따라 서로 다른 비중으로 소개됐다.

디자인이 지닌 산업적 특성도 역사적 평가에 영향을 미쳤다. 회화와 조각은 작가의 이름과 작품이 함께 보존되는 경우가 많지만 직물과 생활용품은 제조업체나 브랜드의 이름으로 유통되기도 한다. 생산 과정에는 디자이너와 기술자, 제작업체와 판매자가 함께 참여한다. 오래 사용한 물건이 사라지면 디자인의 제작 과정과 개별 제작자의 이름까지 추적하기 어려워지는 경우도 생긴다.

알시아 맥니시의 작품은 빅토리아앤드앨버트박물관(V&A)을 비롯한 기관에 소장돼 있다. 'Golden Harvest'와 'Trinidad' 등 직물의 제작연도와 사용 재료, 거래처에 관한 기록도 남아 있다. 디자인의 역사에서 제작자의 이름을 복원하는 작업은 특정한 인물을 뒤늦게 유명하게 만드는 일만으로 끝나지 않는다. 일상의 물건을 누가 만들었고 어떤 문화적 경험과 기술이 생산에 반영됐는지 살펴보는 작업과 연결된다.

런던 디자인뮤지엄의 전시는 맥니시에서 출발해 영국계 나이지리아 디자이너 잉카 일로리(Yinka Ilori)에 이르기까지 20명이 넘는 선행 디자이너들의 작품과 관련 자료를 함께 소개한다. 과거의 제작자들이 남긴 직물과 가구, 시각 디자인의 흐름은 현재 활동하는 디자이너들의 작업을 살펴보는 역사적 배경이 된다.

잉카 일로리는 버려진 가구를 새로운 색채와 무늬로 바꾸거나 일상적인 공간에 강한 색을 더하는 작업으로 알려져 있다. 의자는 앉기 위한 물건이지만 일로리의 작업에서는 개인의 기억과 나이지리아계 영국인의 문화적 경험을 담는 조형물이 되기도 한다. 기존 가구의 형태를 유지하면서 서로 다른 색채와 장식적인 요소를 결합하는 방식은 생활용품이 기능과 문화적 표현을 함께 지닐 수 있음을 드러낸다.

맥니시와 일로리는 영국에서 활동한 흑인 디자이너라는 공통점을 지니지만 작품이 제작된 시대와 산업적 조건은 다르다. 맥니시에게 직물은 제조업체를 통해 대량생산되는 산업 디자인의 대상이었다. 일로리는 기존 가구를 다시 사용하거나 설치와 공공디자인으로 활동을 넓히면서 물건이 놓이는 장소와 공동체의 관계를 탐구했다. 색채와 장식이라는 공통된 특징만으로 두 디자이너의 작업을 같은 양식에 넣기 어려운 이유다.

흑인 미학을 둘러싼 논의 역시 시대에 따라 달라져 왔다.

1960년대 미국에서 전개된 흑인예술운동(Black Arts Movement)은 흑인의 문화적 정체성과 자기결정권을 예술의 문제로 다뤘다. 작가와 비평가들은 문학과 연극, 음악과 시각예술을 통해 흑인의 역사와 경험을 표현하고, 백인 중심의 문화적 평가에서 벗어나려 했다. 예술을 개인의 미적 취향에 한정하지 않고 공동체의 정치적·사회적 현실과 연결한 움직임이었다.

작가이자 비평가 래리 닐(Larry Neal)은 1968년 발표한 'The Black Arts Movement'에서 흑인의 예술과 사회적 해방운동 사이의 관계를 논했다. 흑인의 문화적 경험을 외부의 기준으로 재단하는 관습에서 벗어나 독자적인 미학을 형성하려는 움직임이었다. 예술의 형식과 내용, 작품을 만드는 사람과 그것을 평가하는 주체를 함께 논의했다는 점에서 이후 흑인 문화에 관한 비평에 영향을 미쳤다.

1980년대 후반에는 흑인의 문화적 정체성을 하나의 형식으로 설명하는 방식에 대한 논의가 더욱 복잡해졌다. 미국 작가 트레이 엘리스(Trey Ellis)는 1989년 문예지 'Callaloo'에 발표한 'The New Black Aesthetic'에서 새로운 세대의 흑인 문화와 예술을 다뤘다. 인종적 경험을 공유하면서도 서로 다른 취향과 사회적 배경, 표현 방식을 지닌 창작자들의 활동에 관심을 기울였다.

1960년대와 1980년대의 논의는 서로 다른 역사적 조건에서 등장했다. 시민권운동과 흑인 민족주의의 영향 아래 형성된 문화적 자율성의 요구가 있었고, 이후 세대에서는 한 공동체 안에 존재하는 계급과 세대, 취향과 문화적 경험의 차이가 더욱 폭넓게 논의됐다. 흑인이라는 정체성이 창작에 영향을 미치면서도 개별 작가의 모든 표현을 결정하는 단일한 기준이 될 수는 없었다.

2026년 런던에서 열린 'The Nue Black Aesthetic'은 두 흐름을 오늘날의 디자인으로 연결한다. 전시 제목의 'Nue'에는 차이와 미묘한 결을 가리키는 '뉘앙스(nuance)'의 의미가 담겨 있다. 흑인 디자인에 하나의 색채나 장식, 일정한 형태를 부여하는 대신 서로 다른 문화적 배경과 생활환경에서 나온 작품들을 함께 살펴보는 접근이다.

아프리카와 카리브해의 전통적인 직물, 강한 색채와 반복 무늬는 세계 디자인시장에서 오랫동안 특정 지역의 문화를 대표하는 이미지로 사용돼 왔다. 그러나 실제 디자이너들의 작업은 이러한 시각적 특징보다 훨씬 넓다. 건축가는 기후와 도시의 주거환경을 다루고, 가구 디자이너는 몸과 생활공간의 관계를 연구한다. 패션 디자이너는 옷의 재단과 신체의 움직임을 바꾸며, 제품 디자이너는 재료의 조달과 생산 과정을 작품에 반영한다.

전시를 기획한 샬린 프렘페(Charlene Prempeh)는 작가이자 저널리스트로, 디자인과 문화적 정체성의 관계를 다뤄왔다. 2023년 출간한 'Now You See Me: An Introduction to 100 Years of Black Design'에서는 지난 한 세기 동안 활동한 흑인 디자이너들의 경력을 살폈다. 디자이너들이 제작한 물건과 작품을 통해 기존 디자인사의 기록에서 상대적으로 덜 다뤄졌던 인물과 활동을 조명한 작업이다.

프렘페가 런던 디자인뮤지엄에 모은 현대 디자이너는 16명이다. 타이바 아쿠에티에(Taiba Akhuetie), 이니 아르치봉(Ini Archibong), 시몬 브루스터(Simone Brewster), 맥 콜린스(Mac Collins), 비앙카 손더스(Bianca Saunders), 사울 내시(Saul Nash), 사무엘 로스(Samuel Ross), 토신 오시노워(Tosin Oshinowo) 등 다양한 분야의 제작자들이 참가했다. 아프리카와 카리브해에 뿌리를 두면서 영국과 미국, 여러 국가에서 활동한 디자이너들의 작업이 한 공간에 놓였다.

전시에서는 디자이너들을 국적이나 제작 분야만으로 구분하지 않았다. 개인의 정체성과 문화적 경험, 공동체와의 관계, 기존 디자인 체계를 바꾸려는 작업을 중심으로 작품을 배치했다. 옷과 가구, 건축과 제품 디자인은 서로 다른 용도와 산업적 조건을 지니지만 창작자가 재료와 형태를 선택하는 과정에서는 문화와 사회적 경험이 다양한 방식으로 나타난다.

비앙카 손더스는 남성복의 재단과 실루엣을 변형해 기존의 남성성에 관한 관습을 다뤄왔다. 2023년 멧 갈라에서 미국 가수 어셔(Usher)가 착용한 수트도 전시됐다. 남성복에서 익숙한 재킷과 바지의 형식을 유지하면서 몸을 감싸는 방식과 옷의 비례를 조정한 작업이다. 흑인 디자이너의 작품이라는 분류와 별개로 현대 남성복의 형태와 신체 표현을 다루는 디자인이다.

타이바 아쿠에티에는 인조 머리카락을 의자와 조명갓의 재료로 사용했다. 흑인 공동체에서 머리카락을 손질하는 문화가 가구의 제작 방식으로 이어진 작업이다. 가구에 사용되는 재료와 그 재료에 얽힌 문화적 경험을 함께 살펴볼 수 있다. 머리카락은 신체와 연결된 소재인 동시에 제품의 형태와 표면을 이루는 물질로 등장한다.

가나계 영국 건축가 길스 테티 나티(Giles Tettey Nartey)는 서아프리카의 전통 악기 발라폰(balafon)을 현대적으로 재구성했다. 전통 악기의 구조와 제작 원리를 오늘날의 조형적 언어로 다루면서 서아프리카의 디자인을 과거의 유물로만 바라보는 관습과 거리를 뒀다. 전통적인 제작 기술이 현재에도 변형되고 발전할 수 있다는 사실을 작품의 형태로 드러냈다.

세 디자이너의 작품에는 공통된 색채나 장식 양식이 나타나지 않는다. 손더스의 작업에서는 의복과 몸의 관계가, 아쿠에티에의 가구에서는 머리카락과 생활문화가, 테티 나티의 작품에서는 전통 악기의 구조와 현대적인 제작 방식이 중요하다. 각자의 문화적 배경은 디자인의 소재와 제작 과정에 영향을 미치지만 완성된 작품은 서로 다른 조형적 언어를 지닌다.

흑인 디자인을 하나의 미학으로 묶기 어려운 이유는 창작자의 경험만큼이나 작품이 사용되는 산업과 장소가 다르기 때문이다. 의류는 신체의 움직임과 생산 공정을 고려해야 하고, 가구는 사용하는 사람의 몸과 공간의 비례에 영향을 받는다. 건축은 기후와 도시, 지역의 재료와 시공 환경에 따라 달라진다. 이러한 조건은 인종이나 민족적 정체성만으로 결정되지 않는다.

영국 디자인계에서 흑인 디자이너의 활동을 살펴보는 일은 작품의 표현 방식과 함께 산업적 관계까지 들여다보는 작업과도 연결된다. 어떤 디자이너가 주요 기업의 의뢰를 받는지, 누가 제조업체와 협력하고 자신의 이름으로 제품을 발표할 수 있는지, 어떤 물건이 박물관의 소장품으로 선택되는지에 따라 디자인사의 기록도 달라진다.

맥니시는 리버티와 힐스 등 주요 업체와 협업했으며 직물이 실제 생활공간에서 사용되는 상업적인 성공도 거뒀다. 이후 세대의 디자이너들은 패션 브랜드와 가구 제작업체, 건축사무소와 공공기관 등 더 넓은 영역에서 활동하고 있다. 같은 산업 안에서도 시대에 따라 진입 경로와 작품을 발표하는 방식이 달라졌다.

런던 디자인뮤지엄이 흑인 디자이너들의 작업을 한자리에 모은 일은 작품의 인지도와 향후 연구에도 영향을 미칠 수 있다. 박물관의 전시는 작가의 경력을 소개하는 동시에 작품을 어떤 역사적 관계 안에서 바라볼지 결정한다. 전시와 출판, 소장품 수집과 교육 프로그램을 통해 특정한 작품이 장기간 기록되고 연구되는 과정도 이어진다.

한편 16명의 디자이너가 오늘날 흑인 디자인 전체를 대표할 수는 없다. 흑인 디자이너들이 활동하는 지역과 세대, 제작 분야와 문화적 배경은 훨씬 넓다. 한 전시가 선택한 작가와 작품에는 기획자의 관점과 미술관의 전시 여건이 반영된다. 작품을 선별하는 과정에서 포함된 인물과 그렇지 않은 인물이 나뉜다는 사실 역시 박물관이 디자인의 역사를 구성할 때 피할 수 없는 조건이다.

전시의 역사 구역에서 맥니시와 일로리를 함께 소개하는 방식은 서로 다른 시대의 작업을 비교할 수 있게 한다. 다만 1960년대 미국의 흑인예술운동과 1950년대 영국의 카리브해 출신 섬유 디자이너, 오늘날의 아프리카계 디아스포라 제작자들은 각각 다른 사회적 조건에서 활동했다. 인종적 경험이라는 공통점만으로 이들의 디자인을 하나의 연속된 양식으로 설명하기는 어렵다. 역사적 배경을 구분하면서 서로 영향을 주고받은 문화와 제작 기술을 살펴볼 필요가 있다.

프렘페와 디자인뮤지엄이 함께 구성한 전시는 역사적인 작품과 현대적인 제작 방식 사이에 여러 연결을 마련했다. 맥니시의 직물은 이주자의 경험이 산업적인 생산으로 이어진 과정을, 일로리의 가구는 일상의 물건과 공동체의 기억이 결합하는 방식을 떠올리게 한다. 손더스의 수트와 아쿠에티에의 가구, 테티 나티의 악기는 각기 다른 신체와 재료, 전통의 관계를 다룬다. 흑인 디자인이라는 공통된 범주 안에서도 작품의 형식과 산업적 성격은 뚜렷하게 구별된다.

영국의 디자인은 산업혁명 이후 제조업과 공예, 건축과 대량생산의 변화 속에서 발전해 왔다. 제2차 세계대전 이후에는 이주와 국제무역, 소비문화의 확산을 거치며 다양한 지역의 재료와 기술, 색채와 장식이 생활용품에 반영됐다. 카리브해 출신 맥니시의 직물이 영국의 가정과 패션에 사용됐던 역사도 그러한 변화에 포함된다. 전후 영국 디자인의 발전을 이해하는 데 이주민 제작자들의 활동을 함께 살펴봐야 하는 배경이다.

디자인의 역사에 새로운 이름을 더하는 일은 기존의 작품을 모두 바꾸는 작업보다 이미 생산되고 사용돼 온 물건의 관계를 다시 읽는 과정에 가깝다. 한때 상업용 직물로 유통된 맥니시의 무늬는 오늘날 박물관에서 연구되는 디자인이 됐고, 일상의 가구와 의복은 현대 디자이너의 문화적 경험을 담는 작품으로 소개되고 있다. 물건의 기능은 유지되면서 제작자의 이름과 역사, 문화적 의미가 새롭게 조명되는 것이다.

런던 디자인뮤지엄의 'The Nue Black Aesthetic'은 2027년 8월 8일까지 이어진다. 약 70년에 걸친 역사적 자료와 현대 디자이너 16명의 작품을 통해 영국과 세계 디자인계에서 발전해 온 서로 다른 표현을 살펴볼 수 있다. 맥니시가 영국의 밀밭에서 발견한 색채는 직물의 반복 무늬로 남았고, 이후 세대의 디자이너들은 가구와 의복, 건축과 생활용품에 각자의 문화적 경험을 더해 왔다. 다양한 작품을 한 범주에 묶어 소개하는 박물관의 전시 역시 개별 디자이너의 제작 조건과 역사적 배경을 얼마나 정밀하게 구분하느냐에 따라 그 의미가 달라진다.