[KtN 임민정기자]1959년 트리니다드 출신 섬유 디자이너 알시아 맥니시(Althea McNish)는 영국의 밀밭을 강렬한 노란색과 주황색 직물로 옮겼다. 밀 이삭은 카리브해에서 보았던 사탕수수의 기억과 겹쳐졌고, 영국의 풍경은 열대의 색채를 입었다. 'Golden Harvest'는 영국의 상업용 섬유 시장에서 인기를 얻어 의류와 실내 장식에 사용됐다. 전후 영국의 가정에 걸린 커튼과 가구를 덮은 직물에는 카리브해에서 건너온 디자이너의 시선이 남아 있었다.

2026년 런던 디자인뮤지엄(Design Museum)은 맥니시에서 출발해 현대 흑인 디자이너 16명의 작업을 모았다. 'The Nue Black Aesthetic'이라는 제목 아래 패션과 가구, 건축, 제품 디자인과 조각 등 100점 이상의 작품을 소개하는 전시다. 1960년대 흑인 미학 운동과 1980년대 새로운 흑인 미학 논의를 거쳐 오늘날의 창작 활동까지 약 70년에 걸친 흐름을 다룬다.

전시장에는 검정·빨강·초록을 사용한 아스널 축구 유니폼이 있고, 인조 머리카락을 엮어 만든 의자도 있다. 서아프리카의 악기를 현대적으로 재구성한 작품과 산업용 폐금속을 다시 주조한 가구, 무라노 유리로 제작한 조명도 등장한다. 같은 흑인 디자인이라는 이름 아래 놓였지만 재료와 형태, 제작 기술과 사용 목적은 서로 다르다.

영국에서 활동한 흑인 디자이너들의 역사는 이주와 산업화, 식민주의와 소비문화의 변화 속에서 전개됐다. 맥니시의 직물은 영국 기업의 생산·유통망을 통해 대중의 생활공간에 들어갔고, 이후 세대의 디자이너들은 글로벌 스포츠 브랜드와 패션하우스, 가구 제작업체와 건축사무소에서 활동 영역을 넓혔다. 흑인 디자이너의 문화적 배경은 작품에 영향을 미쳤지만 같은 민족적 정체성이 동일한 디자인 양식을 만들어낸 것은 아니었다.

맥니시의 색채를 이해하는 데도 카리브해라는 출신지만으로는 부족하다. 트리니다드에서 익힌 시각적 경험과 영국에서 새롭게 만난 자연, 왕립예술학교에서 배운 제작 기술, 상업용 직물의 생산 조건이 함께 작용했다. 열대의 색채는 영국의 풍경을 만나 새로운 무늬가 됐고, 완성된 디자인은 산업적인 생산을 거쳐 가정의 일상으로 들어왔다.

영국의 전후 디자인사는 유럽 모더니즘과 산업생산, 주요 기업과 디자이너의 활동을 중심으로 서술돼 왔다. 이주민 제작자들의 작업도 실제 산업 안에서 생산되고 사용됐지만 디자인의 역사에 기록되는 비중은 분야와 기관에 따라 달랐다. 유명 브랜드의 이름 뒤에는 직물을 설계한 사람과 색을 결정한 사람, 제작 공정을 완성한 기술자들의 활동이 함께 존재했다.

디자인의 역사에서 작품의 형태만큼 중요한 것은 제작에 참여한 사람들의 이름이다. 미술관에 보존된 회화는 대개 작가의 이름과 함께 기억되지만 직물과 생활용품은 제조업체의 상표로 더 오래 알려지기도 한다. 대량생산된 물건은 수많은 사람의 집에서 사용되다가 사라지고, 제작자의 기록도 함께 흩어진다. 맥니시의 작업은 일상적인 직물이 디자인사의 중요한 자료가 되는 과정을 생각하게 한다.

흑인 디자인의 역사에는 한 가지 미묘한 긴장이 남아 있다. 아프리카와 카리브해의 색채와 무늬는 세계 패션과 인테리어 시장에서 오랫동안 소비돼 왔다. 그러나 문화적 요소를 상품의 장식으로 사용하는 일과 실제 제작자의 이름과 기술을 디자인사의 중심에 놓는 일은 다른 문제다. 특정 지역의 미적 특징을 손쉽게 빌려오는 산업적 관행 속에서는 그 형태를 만들고 발전시킨 사람들의 경력과 제작 조건이 뒤로 밀리기 쉽다.

영국 패션 디자이너 비앙카 손더스(Bianca Saunders)는 이러한 문제를 화려한 민족적 문양과는 다른 방식으로 다룬다. 2023년 멧 갈라에서 미국 가수 어셔(Usher)가 입은 검은색 수트는 겉으로는 전통적인 남성복의 형식을 따른다. 넓게 처리한 재킷의 어깨와 낮게 내려온 소매 시작점, 상대적으로 가늘게 재단한 바지가 기존 남성복의 비례를 바꿨다. 남성의 몸을 단단하고 각지게 표현해 온 테일러링의 관습을 재단 자체로 조정한 작업이다.

손더스의 수트에는 아프리카를 직접 떠올리게 하는 문양이 필요하지 않았다. 자메이카계 영국인 디자이너의 시선은 남성복을 입은 신체의 윤곽과 움직임, 남성성에 부여된 사회적 기준을 다루는 데 집중됐다. 옷에 문화적 정체성을 담는 방법이 반드시 색채나 장식으로 나타나는 것은 아니라는 사실이 검은 수트의 재단에서 드러난다.

포데이 둠부야(Foday Dumbuya)가 이끄는 라브룸 런던(LABRUM London)은 반대로 상징적인 색채를 적극적으로 사용했다. 아스널과 아디다스가 함께 제작한 2024/25 원정 유니폼에 범아프리카주의의 검정·빨강·초록을 적용했다. 유니폼의 무늬에는 서아프리카의 문화적 요소가 들어갔고, 디자인은 경기복과 팬을 위한 일상복으로 제작됐다.

아스널 유니폼에 담긴 아프리카계 공동체의 기억은 글로벌 스포츠 브랜드의 생산망을 통해 상품으로 유통됐다. 선수와 팬들이 공유하는 역사적 상징이 대량생산되는 기능성 의류에 반영된 것이다. 문화적 의미를 지닌 디자인이 세계 시장에 진입하는 과정에는 디자이너의 창작뿐 아니라 기업의 생산 규격과 판매망, 브랜드의 상업적 이해관계도 함께 작용한다.

손더스의 맞춤 수트와 둠부야의 유니폼은 흑인 디자이너의 작업이 어느 하나의 방향으로 발전하지 않았음을 잘 드러낸다. 한쪽에서는 재단과 신체의 관계가 달라졌고, 다른 쪽에서는 스포츠웨어의 색채와 무늬에 공동체의 역사가 들어갔다. 디자인이 사회적 경험을 표현하는 방식은 착용하는 사람과 사용하는 장소, 제작을 맡은 산업의 구조에 따라 달라졌다.

가구에서는 생활문화와 제작 기술의 관계가 더욱 직접적으로 나타난다.

타이바 아쿠에티에(Taiba Akhuetie)는 인조 머리카락을 땋아 흔들의자를 만들었다. 검은 머리카락을 굵은 가닥으로 엮어 의자의 외형을 구성하고, 반복되는 땋기 무늬를 구조와 장식에 사용했다. 흑인 공동체에서 오랫동안 이어져 온 머리 손질의 기술이 가구 제작에 적용된 것이다.

머리를 땋는 일에는 손기술과 시간이 필요하다. 여러 가닥을 일정한 장력으로 나누고 반복해 엮는 과정에서 머리 모양이 완성된다. 가족과 친구가 함께 시간을 보내며 머리를 손질하는 문화에는 돌봄과 대화, 세대 사이에 전해지는 기술이 함께 들어 있다. 아쿠에티에의 의자에는 그러한 경험이 물건의 표면과 형태로 남았다.

가구 제작에 목공과 금속 가공 기술을 사용하는 일은 익숙하지만 머리카락을 땋는 기술은 오랫동안 미용과 생활문화의 영역에 놓여 있었다. 아쿠에티에는 가구의 재료를 바꾸면서 제작 기술의 경계도 옮겼다. 생활 속에서 익힌 손기술이 독립적인 조형 가치를 얻고, 의자라는 물건은 신체와 돌봄의 경험을 담게 됐다.

맥 콜린스(Mac Collins)의 도미노 테이블 'Open Code'는 가구가 사용되는 장소의 역사를 바꿔 놓았다. 2022년 영국 헤어우드 하우스의 시나몬 드로잉룸에 설치된 작품이다. 귀족의 초상화가 걸린 방에 검은색 테이블과 의자, 도미노 패가 놓였다. 자메이카계 공동체에서 이어져 온 놀이 문화가 영국 귀족의 사교 공간에 들어온 것이다.

헤어우드 하우스를 세운 라셀스 가문의 부에는 카리브해 설탕산업과 노예노동에서 축적된 재산이 포함돼 있었다. 도미노 테이블이 놓인 방의 장식과 가구 역시 그러한 경제적 역사를 지닌 저택의 일부다. 콜린스는 자메이카계 영국인의 생활문화를 같은 공간에 놓으면서 영국과 카리브해가 맺어온 관계를 새로운 방식으로 드러냈다.

귀족의 가구와 이주민 공동체의 생활용품은 서로 다른 사회적 지위를 지닌 물건으로 취급돼 왔다. 콜린스의 테이블은 놀이를 위한 기능을 그대로 유지하면서 역사적 공간의 의미를 바꿨다. 영국의 귀족 저택에서 카리브해의 놀이 문화가 하나의 소장품으로 남았다는 사실은 가구가 가진 사회적 역할을 다시 살펴보게 한다.

디자인의 문화적 의미는 형태에만 머무르지 않는다. 물건이 놓인 장소와 그곳을 사용해 온 사람들, 재료를 공급한 노동과 제작 기술까지 함께 작용한다. 아쿠에티에의 흔들의자가 집 안에서 이어져 온 머리 손질의 시간을 담았다면 콜린스의 테이블에는 영국 귀족문화와 카리브해 식민지 역사의 관계가 놓여 있다.

나이지리아 디자이너 니페미 마커스벨로(Nifemi Marcus-Bello)의 금속 가구에서는 재료를 구하는 산업적 조건이 디자인의 일부로 등장한다. 구리는 아프리카의 주요 광물자원 가운데 하나지만 마커스벨로는 라고스에서 가구를 제작하는 데 필요한 금속을 확보하기 어려웠다. 국제적인 원자재 유통망 속에서 구리 생산지와 가공·소비시장이 서로 다른 지역에 자리 잡고 있었기 때문이다.

마커스벨로는 폐금속 시장에서 회수한 구리를 다시 녹여 가구를 만들었다. 지역의 주조 기술자들과 협업하면서 금속을 가공하고 부품을 연결하는 방식을 조정했다. 완성된 가구에는 재료의 무게와 질감뿐 아니라 수집과 운송, 재주조에 참여한 사람들의 노동이 포함돼 있다.

아프리카의 자원은 세계 산업에서 오랫동안 중요한 원료로 사용됐다. 광물을 채굴하는 지역과 완성품의 고부가가치 생산이 이루어지는 지역은 반드시 일치하지 않는다. 마커스벨로의 가구는 아프리카에서 생산되는 원료가 세계 시장을 거친 뒤 현지 디자이너에게 다시 값비싼 제작 재료가 되는 현실과 맞닿아 있다.

재료를 사용할 권한과 가공 기술의 축적, 완성품에서 발생하는 부가가치가 어디에 남는지는 디자인산업의 구조를 이해하는 중요한 요소다. 오래된 금속을 재활용한 가구에는 환경적 의미뿐 아니라 원료를 구하는 지역의 현실과 제작자의 기술이 함께 남아 있다.

길스 테티 나티(Giles Tettey Nartey)는 서아프리카의 전통 악기 발라폰을 강철과 도자로 다시 제작했다. 전통적인 발라폰은 나무 건반과 박 공명통을 사용하지만 'Strange Notes'에서는 검게 처리한 강철 건반과 도자 공명통을 결합했다. 건반을 두드려 소리를 내는 기본적인 구조를 유지하면서 재료와 음향을 새롭게 조정한 것이다.

전통 악기는 박물관에 보존된 과거의 유물인 동시에 오늘날에도 제작되고 연주되는 물건이다. 나티는 발라폰의 역사적 형태를 그대로 복제하지 않았다. 악기가 지닌 음향 구조를 현재의 재료로 옮기면서 다른 소리와 외형을 만들어냈다. 서아프리카의 제작 기술은 고정된 과거가 아니라 현재에도 변화하는 문화적 자산으로 남았다.

토신 오시노워(Tosin Oshinowo)의 건축에서도 지역의 생활과 환경은 디자인의 출발점이 됐다. 라고스의 'Lantern House'는 금속 격자와 유리, 개방적인 실내 공간을 결합한 주택이다. 격자는 빛을 받아들이면서 외부의 시선을 조절하고, 높은 천장과 실내외를 연결하는 구조는 주거공간의 사용 방식에 영향을 준다. 아프리카 건축의 정체성을 장식적인 무늬로만 표현하지 않고 실제 기후와 생활조건을 설계에 반영한 작업이다.

나이지리아계 미국인 디자이너 이니 아르치봉(Ini Archibong)은 유럽의 공예 기술과 아프리카의 언어적 기억을 결합했다. 조명 설치 'Mfon'에는 이탈리아 무라노의 유리 공예로 제작한 조명갓과 도자, 목재, 황동으로 만든 구슬이 사용됐다. 나이지리아의 에픽어와 이비비오어에서 은혜를 뜻하는 이름은 유럽의 제작 기술과 결합한 작품에 붙여졌다.

마커스벨로는 라고스에서 확보한 폐금속을 지역의 주조 기술로 가구로 만들었고, 아르치봉은 이탈리아의 전문 유리 제작 기술을 활용해 조명을 완성했다. 두 디자이너 모두 자신의 문화적 배경을 작품에 반영했지만 재료와 생산 기반은 달랐다. 현대 디자인에서 문화적 정체성은 특정 지역의 전통적인 형태를 반복하는 방식보다 훨씬 복잡한 제작 관계 속에서 형성되고 있다.

1960년대 래리 닐(Larry Neal)이 논의한 흑인 미학은 문화적 자율성과 자기표현을 강조했다. 1989년 트레이 엘리스(Trey Ellis)가 제시한 새로운 흑인 미학은 흑인 문화 안에 존재하는 세대와 취향, 사회적 경험의 차이를 다뤘다. 오늘날의 'Nue Black Aesthetic'은 서로 다른 분야에서 활동하는 디자이너들의 작업을 통해 흑인 디자인을 단일한 양식으로 규정하기 어려운 현실과 만난다.

흑인 디자이너라는 이름은 오랫동안 서구 디자인사의 중심에서 충분히 다뤄지지 않았던 제작자들을 다시 살펴볼 수 있게 한다. 동시에 서로 다른 지역과 세대, 산업에서 활동하는 디자이너들을 하나의 범주로 묶는 표현이기도 하다. 작품을 이해하는 데 필요한 것은 그 이름에 어울리는 공통된 형태를 찾는 일보다 각각의 제작자가 사용한 재료와 기술, 작업을 완성한 사회적 조건을 구분하는 일이다.

런던 디자인뮤지엄이 역사적 자료와 현대 디자이너들의 작품을 함께 소개한 것도 이러한 맥락에서 읽힌다. 알시아 맥니시의 직물은 전후 영국의 상업 디자인에 들어온 이주자의 경험을 담고 있고, 비앙카 손더스의 수트는 남성복의 재단을 바꾸었다. 아쿠에티에의 의자와 콜린스의 테이블은 생활문화에 남은 손기술과 역사적 기억을 가구로 옮겼다. 마커스벨로와 나티, 오시노워, 아르치봉은 각기 다른 재료와 제작 환경에서 현대 디자인을 발전시켰다.

흑인 디자인의 역사에 새로운 이름을 더하는 일은 디자인산업이 무엇을 가치 있게 평가해 왔는지 살펴보는 과정과 이어진다. 서구의 주요 박물관과 기업이 작품을 선택하고 기록해 온 방식, 지역의 제작 기술이 전통 공예로 분류되던 관습, 원자재의 생산지와 완성품의 시장이 나뉘어 온 구조가 디자인의 평가와 유통에 영향을 미쳐 왔다.

현대의 디자인산업은 세계 여러 지역의 재료와 기술, 창작자의 경험에 의존한다. 유럽에서 제작한 조명에 나이지리아의 언어가 들어가고, 영국의 축구 유니폼에 아프리카계 공동체의 색채가 사용된다. 카리브해에서 이어져 온 놀이와 머리 손질의 문화는 영국의 가구 디자인으로 옮겨졌고, 서아프리카의 전통 악기는 강철과 도자의 새로운 결합으로 제작됐다.

전시에는 100점이 넘는 물건이 있지만 각각의 제작 조건과 산업적 경로는 다르다. 상업적으로 성공한 디자이너의 작업과 지역 장인들의 기술, 고급 주택의 건축과 폐금속을 재활용한 가구가 한 전시장에 놓였다. 같은 흑인 디자인이라는 이름 안에서도 작품을 만드는 사람들의 출발점과 생산 환경, 국제적인 시장에 접근하는 조건은 같지 않다.

'The Nue Black Aesthetic'은 2027년 8월 8일까지 이어진다. 맥니시의 직물에서 시작된 전후 영국 디자인의 변화는 오늘날 스포츠웨어와 가구, 건축과 조명 등 여러 분야로 이어져 있다. 전시장에 놓인 작품들은 공통된 피부색이나 출신 지역보다 각자의 기술과 제작 경험에서 더 많은 차이를 드러낸다. 흑인 디자인의 역사는 하나의 미적 양식으로 완결되기보다 재료를 다루는 사람과 노동, 산업의 관계 속에서 계속 확장되고 있다.